WHEN YOU’RE A GRAPHIC ARTIST
You make art for the benefit of the client. You have specific guidelines, and you apply your knowledge of color and composition theory, to name a few, in order to create a visual piece that will serve the client. You have no set style because you adapt it to whatever the client wants. This is not a bad thing: you use your flexibility and skills in a clever way in order to create an original piece and you focus on the purpose of the thing- you make it functional.
WHEN YOU ARE AN ILLUSTRATOR
You are mostly tapping into your selfish desires to create something that contains part of your ego- in other words, you tend to have more leeway when it comes to deciding the final look. Although you may get specific commissions with specific styles, you are still expected to put a piece of yourself within it: the theories you know are applied in a more instinctive manner when creating and you tend to work toward getting a more meaningful or emotional response from your clients.
BASICALLY
Although both are similar, they are also completely different in their process. There’s a different relationship that builds between the artist and they art, and between them and the clients. FOr the artists, most of the time, it’s only through experience that we learn what we will or won’t do, and through these experiences, we constantly push the limit between what we can and can’t do. Thus, don’t assume an illustrator will not touch graphic design, nor the opposite. But don’t assume either that just because someone does one, they are happy to do the other.
To be continued...
(That said, not everyone might agree with me on the above points, and I admit that my experience is limited in this department. What I’ve written is only a deduction from my recent experiences, and I invite anyone who knows better to add to the conversation by commenting on this post)
QUAND VOUS ÊTES DESIGNER GRAPHIQUE
Vous faites de l'art pour le bénéfice du client. Vous avez des directives spécifiques, et vous appliquez vos connaissances de la théorie des couleurs et de la composition, pour n'en nommer que quelques-unes, afin de créer une oeuvre visuelle qui servira le client. Vous n'utilisez aucun style reconnaissable parce que vous l'adaptez à ce que le client demande. Ce n'est pas une mauvaise chose: vous utilisez votre flexibilité et vos compétences de manière intelligente pour créer une pièce originale et vous concentrer sur le but de la chose - la fonctionnalité est importante.
QUAND VOUS ÊTES ILLUSTRATEUR
Vous utilisez principalement votre égo pour créer une oeuvre, et vous avez tendance à avoir plus de liberté lorsqu'il s'agit de décider du look final. Bien que vous puissiez obtenir des commissions spécifiques avec des styles spécifiques, vous êtes toujours censé y mettre une part de vous-même: les théories que vous connaissez sont appliquées de manière plus instinctive lors de la création et il y a une tendance à vouloir obtenir une réponse plus significative ou émotionnelle de la part de vos clients.
FINALEMENT
Bien que les deux soient similaires, ils sont aussi complètement différents dans leur processus. Il y a une relation différente entre l'artiste et l'art, et entre les artistes et les clients. Pour les artistes, la plupart du temps, ce n'est que par l'expérience que nous apprenons ce que nous ferons ou ne ferons pas, et à travers ces expériences, nous repoussons constamment la limite entre ce que nous pouvons et ce que nous ne pouvons pas faire. Ainsi, ne supposez pas qu'un illustrateur ne touchera pas au graphisme, ni le contraire. Mais n'assumez pas non plus que juste parce que quelqu'un en fait un, ils sont heureux de faire l'autre.
À suivre...
(Cela dit, tout le monde ne sera pas d'accord avec moi sur les points ci-dessus, et j'avoue que mon expérience est limitée dans ce département. Ce que j'ai écrit n'est qu'une déduction à partir de mes expériences récentes, et j'invite tous ceux qui connaissent plus à commenter sur ce post)